Como uno de los mejores entrenadores vocales (y arreglistas) del mundo, a menudo me inundan preguntas sobre qué micrófono usar, técnicas vocales y de grabación, cómo grabar mejores voces y cómo cantar con más poder y expresión emocional. Si bien hay mucho en esto, desde la técnica vocal hasta las técnicas de interpretación emocional y las técnicas de grabación, me estrujé el cerebro para crear una lista de mis "mejores" consejos sobre cómo hacer que tu voz suene como tus discos favoritos.
Grabar es un arte en sí mismo y cuanto más lo hagas, mejor lo harás. Si no tienes un estudio en casa, consigue uno. Aprender a grabar buenas voces en casa es una de las formas más rápidas de mejorar tu voz en tus grabaciones. Es relativamente económico en estos días y es el primer paso para perfeccionar sus conocimientos y habilidades de grabación. ¿Quién no quiere sonar como sus discos favoritos? Mi objetivo como cantante no era ser el más famoso sino ser un gran vocalista. Poder entregar una ovación de pie (obtuve una en Town Hall, NY) y hacer un disco premiado (afortunadamente lo logré también). Dondequiera que estés con tu voz en este momento, solo debes saber que con una técnica vocal sólida (como enseñamos) tus sueños vocales son alcanzables. El talento es bueno para empezar, pero la Habilidad es lo que necesitas. Los que hacen el trabajo obtendrán los resultados. Tengo innumerables historias de cantantes a los que he entrenado que pasaron de promedio a asombrosos (rubor: incluyéndome a mí). Si yo puedo hacerlo, y si ellos pueden hacerlo, ¡tú también puedes!
Cómo hacer que tu voz suene como tus discos favoritos
1. Configure la distancia desde su micrófono.
Comience con un buen micrófono. Los micrófonos de condensador son el camino a seguir. El Shure SM7B es uno de los favoritos por su calidad a buen precio. AKG 414 (anterior a 2000) y Neumann son excelentes micrófonos por un precio más alto. Pero diablos, escuché una buena voz proveniente de un Shure SM57, ¡lo cual es una casualidad total! (es un micrófono de rendimiento). Un gran preamplificador también ayuda, ver más abajo. Si realmente quieres una cadena de micrófonos profesional en casa, mira el #3 a continuación.
Luego establezca la distancia correcta (vea el n.° 2 a continuación) para que tenga suficiente señal pero no se sobremarche cuando cante en voz alta (distorsión).
2. Utilice un filtro pop.
Los filtros pop son enormemente útiles cuando se graban voces. Ayudarán a proteger contra los sonidos oclusivos ("p's", b's) que golpean el micrófono con aire. También ayuda a establecer la distancia correcta desde el micrófono. Si coloca el filtro pop de 4 a 6 pulgadas frente al micrófono, le resultará más fácil al cantante mantener la misma distancia medida. Demasiado movimiento hacia adelante y hacia atrás provocará una caída en el sonido vocal. Demasiado atrás sonará demasiado "delgado" y sonará como si estuviera en otra habitación. Demasiado cerca y distorsionará la pista vocal.
3. Usa un buen preamplificador.
Los preamplificadores son realmente importantes, pero solo el correcto. Ayudan a aumentar la señal de su micrófono y, en última instancia, el correcto le dará un sonido cálido y rico a su voz. Sin embargo, le recomiendo que investigue, ya que hay muchos preamplificadores más baratos que realmente no hacen mucho. Si solo está haciendo demostraciones en el estudio de su casa, entonces no necesita invertir en uno realmente bueno, pero le recomendaría obtener el Apollo Twin (Universal Audio) para obtener el mejor rendimiento de su inversión. Siga los tutoriales en YouTube para aprender a usarlo. Es la unidad más popular que utilizan los estudios domésticos.
Mi configuración de cadena vocal es un micrófono AKG vintage 414 de 1993 con un preamplificador Avalon 737. Es un sonido asesino. Cuando estaba grabando mi voz de Circle of Fire, el productor/ingeniero de mezclas me aconsejó comprar el Avalon (ya teníamos el 414). Dijo que si le damos esa cadena vocal, podría hacer un disco vocal de la mejor calidad. Terminamos ganando un premio por el sonido :). Desde entonces, escuché que Apollo Twin (Universal Audio) tiene un equivalente a Avalon en forma de complemento digital a un tercio del costo de Avalon.
4. Asegúrese de que el espacio de grabación no esté demasiado activo.
La razón por la que los estudios tienen una cabina vocal es crear una habitación seca para que el sonido no haga eco y rebote por todo el lugar creando un sonido metálico o delgado. Si bien puede agregar reverberación o espacio a una pista de voz, es imposible eliminar un ambiente de sala retumbante de una grabación. Los filtros de reflejo pueden ayudar a controlar los reflejos de una sala en vivo. Si no tiene una habitación tranquila para grabar, entonces una cabina vocal casera es una gran solución para grabar en un espacio extremadamente vivo (grande) o reverberante.
5. Vibe de cinta de media pulgada.
Este consejo es más conocido entre los productores, lo aprendí cuando grabé voces para mi disco Circle of Fire. Cuando esté listo para mezclar su disco, considere ejecutar la mezcla digital a través de una máquina de cinta real de media pulgada. El tipo antiguo. Toma el sonido digital más delgado y lo convierte en más analógico. La cinta de media pulgada hace que los instrumentos y la voz suenen ricos y aterciopelados. ¿Sabes cómo a veces la voz de un cantante se vuelve estridente o delgada en la parte superior? Esto lo suaviza: francamente, elimina el sonido vocal del parque. Mi amigo Anthony "Rocky" Gallo usa uno en su Brooklyn Studio Virtue and Vice.
Para los no puristas, también escuché que hay complementos virtuales que se acercan, si no coinciden, con el sonido.
6. Use una buena postura.
Ponte de pie cuando grabes tu voz. Necesitarás que todo tu cuerpo se involucre para producir una buena voz. También ayudará con el apoyo respiratorio, lo que hace que sea más fácil cantar bien. Mantén tu pecho elevado y practica una buena postura para tu mejor voz.
Recuerda que cuando grabes tu voz, parecerá que estás cantando con mucho entusiasmo y luego, cuando escuches de nuevo, sonará mucho más pequeño. La amplificación hace que parezca que estás cantando más de lo que realmente estás. Asegúrese de obtener la relación de volumen correcta entre su voz y la pista (esto es fundamental).
7. Hidrátese durante 3 días antes y tenga agua y té cerca durante su sesión.
3 días antes de registrar su ingesta de agua bebiendo de 8 a 10 vasos de agua al día. Ayuda a hidratarse antes de tiempo. Durante tu sesión, bebe agua, pero a temperatura ambiente. Cuanto más seca sea tu voz, más difícil será cantar notas altas y más accidentado será tu descanso. Cuanto más seca esté su boca, los pequeños ruidos como chasquidos, chasquidos, estallidos serán una molestia. El té para cubrir la garganta es útil para humectar más, ¡y no hay nada mejor que el vapor! (lleva un vaporizador portátil al estudio contigo).
8. Pre-monólogo de la letra.
No es raro, incluso si ha escrito la canción usted mismo, que la entrega emocional necesite un taller. Una cosa es escribir una canción y otra ofrecer una actuación electrizante. Una técnica en particular que siempre conecta al cantante con la lírica y la expresión emocional es el monólogo de la letra.
Pronuncie la letra en voz alta como un poema frente a un espejo, como un actor pronunciaría un monólogo. Habla despacio y deliberadamente sintiendo la emoción de cada frase justo antes de pronunciarla. Trate de sentir cada línea en sus entrañas, en sus emociones. Si escribiste la canción hace un tiempo y ya no estás en el mismo lugar emocional, no te preocupes. Use su emoción actual o el recuerdo de cómo se sintió para conectarse. Si es difícil conectarse, entonces use la emoción de la frustración de que no puede conectarse y ¡wha la! Estás conectado con tu emoción. Lo importante es ir con lo que sientes actualmente para hacer una conexión. Una vez que hagas un monólogo completo de la letra, ve a cantar la canción. Notarás una diferencia en tu conexión emocional con él y en tu entrega.
9. Marca las letras.
Imprime tu hoja de letras y márcala. Marca dónde respiras (o deberías respirar). Encierra en un círculo las respiraciones donde necesitas una respiración más grande. Escribe cualquier fonética que ayude a suavizar la pronunciación. Escriba cualquier melisma o riff, o marque dónde sostiene una nota por más tiempo. Luego mira tu hoja cuando practiques. Ayudará a su cerebro a recordar las partes técnicas para que puedan estar más en piloto automático durante la grabación. Lleve su hoja al estudio con usted para una fácil referencia.
Para obtener más información sobre cómo marcar sus letras y dominar su interpretación vocal,echa un vistazo a la Biblioteca de recursos vocales de Cari, donde explica esto más detalladamente.
10. Calienta tu voz.
Calienta tu voz con las técnicas vocales correctas diseñadas para abrir tu voz para grabación e interpretación. No es suficiente simplemente calentar cantando la canción en sí. Estos ejercicios lo calentarán, ampliarán su rango, tonificarán y lo ayudarán a prepararse para una excelente interpretación vocal.
11. No tenga miedo de trabajar con un entrenador de antemano.
Tenemos varios entrenadores vocales para trabajar. Cari, por supuesto, es la maestra, pero su protegida, Jess Best, ahora también nos está enseñando y es una cantante increíble y una maestra amable y conocedora que puede ayudar a diseccionar tu voz y mejorar tu fraseo y entrega emocional. Trabajar con un cantante experimentado y un entrenador vocal solo ayudará a mejorar tu grabación. ¡Intentalo! Te sorprenderá la gran diferencia que hace.
Aquí hay un ejemplo de uno de nuestros artistas, Robyn Cage, hablando sobre cómo el arreglo vocal de su canción "Burning Now" que Cari arregló con anticipación, ayudó a Robyn a ofrecer una voz impresionante.
“Grabar voces siempre es súper personal. Siempre existe ese sentimiento de vulnerabilidad y excitación nerviosa. Tengo muchas ganas de aprovechar ese recuerdo y sacar esas emociones para que estén presentes en la música. Uno de los entrenadores vocales con los que trabajo es Cari Cole en la ciudad de Nueva York. También es arreglista vocal. Un arreglista vocal revisa cada palabra, vocal, sílaba, frase y acento hasta que es lo mejor posible. Pero lo sorprendente de esta experiencia es que ayudó a sacar la emoción. Pensé que lo estaría pensando demasiado y que ya no sería orgánico, pero en realidad fue exactamente lo contrario. De hecho, liberó la emoción en la canción”.
~ Robyn Cage, vocalista, compositora, artista de grabación e interpretación
12. Al grabar un disco (en lugar de una demostración), considere contratar un arreglista vocal para su sesión de grabación.
La mayoría de las grandes discográficas contratan arreglistas vocales para que estén en la sesión final de grabación vocal y ayuden al cantante a ofrecer la mejor voz posible. Tu pista vocal es lo más destacado de la grabación: transmite la canción y la emoción. Es una de las piezas más importantes de una gran grabación y tener a alguien que esté allí para ayudar ayudará al impacto de tu grabación en el mundo. Es difícil ser objetivo con tu propia interpretación y un arreglista vocal experimentado, con años de experiencia, no solo te facilitará ofrecer tu mejor voz, sino que hará que la experiencia en el estudio sea más placentera y menos estresante. Infórmese sobre la contratación de uno de nuestros arreglistas vocales para su próximo proyecto. Si bien puede ser costoso tener un arreglista para todo el disco, comienza con los 1 o 2 sencillos principales. Aprenderá tanto que podrá aplicar las técnicas al resto de su proyecto. Una vez hice una sesión de arreglos vocales de 3 horas con un artista en Nueva York. Hicimos que su productor asistiera a la sesión. Después de la sesión de 3 horas, decidieron volver a cantar todo el álbum usando las técnicas que describí en la sesión. ¡El resultado fue increíble! El nombre de los artistas es Kate Mills y el disco fue "Little Bird".
Hace unos años di un taller en la Conferencia de Músicos DIY en Austin, TX organizada por CDBaby. En ese taller arreglé voces “en vivo” para 2 cantantes. A veces son los ajustes más simples los que marcan la diferencia
“La presentación de Cari, “Cómo cantar y no chupar”, fue mi favorita porque creó una atmósfera cálida y atractiva y brindó ejemplos específicos y concretos de cosas que todos en la sala podían hacer para mejorar sus habilidades vocales. Su proceso paso a paso y la descripción del mismo fue algo que agradecí. Cuando mencionó a dos músicos para que brindaran capacitación en el lugar, proporcionó recomendaciones matizadas para cada músico y explicó a la audiencia por qué estaba haciendo cada recomendación. Los músicos mejoraron en el acto y el público pudo ver por qué”.– Parker Shaeffel
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